Der Hase in der Kunst: von Dürers Feldhasen bis Venedig

Kaum ein Tier ist so scheu und zugleich so oft gemalt, gezeichnet und gegossen worden. Der Hase in der Kunst reicht von einem kleinen Aquarell aus Nürnberg über Tuschmalereien aus Osaka bis zu Bronzen auf der Park Avenue in New York. Er war Studienobjekt, Glaubenszeichen, Gesprächspartner eines Künstlers und zuletzt das Emblem eines Festivals in Venedig. Ein Gang durch fünf Jahrhunderte, der in einer Kirche in Cannaregio endet.

Dürers Feldhase: ein Blatt von 1502

Am Anfang steht ein Blatt von rund 25 × 22,5 Zentimetern. Albrecht Dürer malte seinen Feldhasen 1502 in Aquarell und Deckfarben und höhte ihn mit Deckweiß. Am rechten Ohr sind noch Spuren einer Vorzeichnung zu erkennen. Der Hase sitzt im Dreiviertelprofil, nicht fluchtbereit, sondern nach den Worten des Albertina-Kurators Christof Metzger „in entspannter Mümmelstellung“. Über Dürers Vorgehen sagt er: „Er konzentriert alles auf schärfste Beobachtung und die detailgenaue Darstellung.“

Wer nah herantritt, entdeckt ein Detail, das man auf Reproduktionen leicht übersieht. In den Augen des Hasen spiegeln sich die Fenster von Dürers Werkstatt. Das Tier sitzt also in einem Raum, der selbst nicht dargestellt ist. Schon zu Dürers Lebzeiten wurde das Blatt vielfach kopiert und als Wunder der Beobachtung bewundert. Um 1600 kursierten in europäischen Kunstkammern mindestens 25 gefälschte Hasen.

Dürer kannte den Hasen auch als Bildzeichen. Im Holzschnitt Die Heilige Familie mit den drei Hasen, den das Metropolitan Museum auf um 1497/98 datiert, sitzen drei Tiere zu Füßen Marias. Ein paar Jahre später isolierte er das Tier ganz und machte es zum alleinigen Gegenstand eines Bildes.

Warum der Feldhase so selten zu sehen ist

Die Albertina in Wien besitzt den Feldhasen seit 1796. Herzog Albert von Sachsen-Teschen erhielt ihn damals durch einen Tausch von Kunstwerken mit Kaiser Franz II. Die Herkunft des Blattes lässt sich lückenlos bis in Dürers Werkstatt zurückverfolgen. Für das Haus ist es bis heute das Herzstück der Sammlung.

Gerade deshalb sehen es nur wenige im Original. Papier ist äußerst licht- und temperaturempfindlich. Die Albertina zählt die Stunden, in denen das Blatt Licht ausgesetzt war. Erst danach entscheidet sie, wann es wieder gezeigt werden kann. Nach Angaben des epd war es in rund 150 Jahren erst neunmal ausgestellt, zuerst 1871, zuletzt 2019/20 in einer großen Dürer-Ausstellung mit 422.000 Besuchern. Im Sommer 2026 holte die Albertina es für ihre Jubiläumsausstellung „Sammeln für die Zukunft“ zum zehnten Mal hervor. Die übrige Zeit liegt der Hase im Dunkeln. Das Publikum begegnet dann einer Kopie.

Für Sammler ist das eine lehrreiche Geschichte. Ein Werk auf Papier lebt von seiner Schonung. Bei Malerei auf Leinwand und Malplatte ist die Lage robuster, doch auch dort entscheiden Licht und Klima über die Lebensdauer von Farbe und Gold.

Der Hase in der Kunst: Symbol für Leben und Frieden

Die Hase Symbolik in der Kunst ist vielschichtiger, als der Osterhase vermuten lässt. Bettina Schmitt vom Dommuseum Frankfurt weist darauf hin, dass das Tier in der Osterliturgie keine Rolle spielt. In der christlichen Kunst begegnet es dagegen an vielen Stellen mit unterschiedlichen Bedeutungen. Es kann für Sinnenfreude stehen, aber auch für den Triumph des Lebens über den Tod, also für den Kern der Osterbotschaft.

Schmitt nennt eine weitere Verbindung: „Mit dem Hasen verbindet sich immer auch die Assoziation an Frieden.“ Der Wiener Aktionskünstler Hermann Nitsch sah im Hasen vor allem das Fluchttier, das instinktiv dem Tod entkommt. Zwischen diesen Polen bewegt sich das Motiv bis heute. Der Hase ist verletzlich und wachsam, er verschwindet blitzschnell und taucht ebenso schnell wieder auf.

Der Mondhase in der japanischen Malerei

Ganz anders erzählt Ostasien vom Hasen. In der japanischen Überlieferung lebt ein Hase auf dem Mond und stampft dort mit Mörser und Stößel die Zutaten für Mochi, einen traditionellen Reiskuchen. Das New Orleans Museum of Art besitzt eine Hängerolle des Osakaer Tiermalers Mori Ippo (1798 bis 1871) von 1867, Tusche und leichte Farben auf Seide, die diesen Hasen bei der Arbeit zeigt. Das Museum beschreibt sie als glückverheißendes Bild, das mit dem Beginn eines neuen Jahres verbunden ist.

Mochi galt in Japan bereits in der Heian-Zeit als eine Speise, die eng mit dem Göttlichen verbunden war. Der Mondhase ist damit kein scheues Wildtier mehr, sondern eine Figur des Segens, die im Licht arbeitet. Mit dem europäischen Bild vom Hasen als Zeichen des Lebens teilt er die Zuversicht.

Beuys: Wie man dem toten Hasen die Bilder erklärt

Am 26. November 1965 wurde der Hase zum Hauptdarsteller der Aktionskunst. In der Galerie Schmela in Düsseldorf bedeckte Joseph Beuys seinen Kopf mit Honig und Blattgold, nahm einen toten Hasen in den Arm und ging mit ihm durch die Ausstellung. Dabei flüsterte er dem Tier Erklärungen zu den Bildern an den Wänden zu. Die Aktion trug den Titel Wie man dem toten Hasen die Bilder erklärt. Das Getty Research Institute bezeichnet sie als Höhepunkt von Beuys’ einflussreichem Konzept des erweiterten Kunstbegriffs.

Für eine Malerin, die selbst mit Blattgold arbeitet, ist ein Detail bemerkenswert: Das Gold lag hier auf der Haut des Künstlers, nicht auf einer Tafel. Beuys kehrte später zum Hasen zurück. Während der documenta 7 im Jahr 1982 schmolz er eine Kopie der Krone Iwans des Schrecklichen ein und goss daraus einen goldenen Hasen. Die Krone galt ihm als überholtes Symbol autokratischer Herrschaft, der Friedenshase befindet sich heute in der Staatsgalerie Stuttgart. Aus dem Zeichen der Macht wurde so ein Zeichen des Friedens.

Barry Flanagan und der springende Hase

Wenige Jahre vor der Kronenschmelze hatte ein britischer Bildhauer sein Lebensmotiv gefunden. Barry Flanagan, 1941 im walisischen Prestatyn geboren, sah einen Hasen über die Sussex Downs laufen und konzipierte daraufhin 1979 seinen ersten Leaping Hare. Ab den frühen 1980er-Jahren stellte er seine Bronzehasen aus, oft im Sprung, oft monumental. Sein Large Leaping Hare von 1982 stand auf der documenta 7 in Kassel, im selben Jahr vertrat Flanagan Großbritannien auf der Biennale von Venedig.

In den Jahren 1995 und 1996 standen seine Hasen auf der Park Avenue in New York, 1996 auch im Grant Park in Chicago. Flanagan starb 2009. Seine Hasen zeigen, wie viel ein einzelnes Tier tragen kann: Bewegung, Humor, eine fast menschliche Gestik. Der Hase ist bei ihm weder Studie noch Symbol im engen Sinn. Er ist eine Figur, die man wiedererkennt.

Venedig 2025: der Hase unter dem goldenen Schirm

In Venedig schließt sich der Kreis. Bei der Venice Design Week 2025, die vom 11. bis 19. Oktober unter dem Titel „Tempora“ stattfand, zeigte das Designlabel WERNS in der Kirche San Leonardo im Viertel Cannaregio eine monumentale Hasenskulptur. Sie beruht auf der „Hiding Rabbit Lamp“ des Labels: einem Hasen, dessen Kopf unter einem Lampenschirm verschwindet. Für Venedig wurde daraus eine Figur von rund 3,5 Metern Höhe auf einem runden Sockel.

Am Eröffnungsabend, dem 11. Oktober 2025, bemalte Juliane Golbs die weiße Skulptur vor Publikum. Sie arbeitete mit Pinseln, Sprühfarbe, den bloßen Fingern und feinen Details, begleitet von Musik. Der Schirm erhielt einen goldenen Grund, darauf Blüten in Rosé, Violett und Grün. Die Motive spielten mit Anklängen an „Alice im Wunderland“, an den Hasen, der in eine andere Welt lockt. Die Veranstalter wählten die Installation zum Emblem und Leitmotiv des Festivals. Was an diesem Abend geschah, erzählt ausführlich der Beitrag zur Venice Design Week 2025.

Kunsthistorisch ist diese Skulptur ein Gegenbild zu Dürer. Sein Hase ist ganz Blick, in seinen Augen spiegelt sich die Werkstatt, während der Hase in San Leonardo seinen Kopf verbirgt und gerade dadurch auffällt. Mit Flanagan verbindet ihn die Größe im öffentlichen Raum, mit Beuys die Nähe von Hase und Gold.

Der Hase im Werk von Juliane Golbs

Dass gerade diese Künstlerin den Hasen in Venedig bemalte, ist kein Zufall. In ihrem Werk gehört er seit Jahren zu einem festen Zeichenrepertoire: neben dem JG-Monogramm, der Krone und dem Anker. Der Hase steht darin für Wachheit, für Neugier und für die Schnelligkeit des Denkens. In der Signature Collection fügen sich diese Zeichen zu einem persönlichen Emblem. Das runde Bild 508 | 2024 mit 80 Zentimetern Durchmesser setzt sie in goldenen Reihen über ein bewegtes Blau, Krone und Hase stehen gleichberechtigt nebeneinander.

In manchen Werken tritt der Hase aus dem Muster heraus und wird zur Hauptfigur. In 519 | 2024 aus der Serie Fifth Season taucht er aus einem Zylinder auf, den Blick nach oben gerichtet, neben ihm ein Zauberstab. Das Bild im Format 60 × 80 Zentimeter ist in Acryl auf Leinwand gemalt und markiert den spielerischen Pol der Serie. In 25 | 2022 aus Golden Things steht ein Hase mit Halskrause und pinkfarbenem Gewand im Halbprofil, umgeben von Wolken, einem Ring und römischen Ziffern wie von einem aufgelösten Zifferblatt. Goldlack gliedert die Fläche in Bänder aus quadratischen Feldern.

Häufiger versteckt sich der Hase. Im Großformat 516 | 2024 mit 150 × 200 Zentimetern lösen sich kleine Hasen in Nachtblau und Grau aus einem Schwarm von Blüten auf goldgelbem Grund. In 501 | 2024 schimmern sie in Goldlack zwischen Magenta, Rosé und Türkis, in 13 | 2020 aus der Monogram-Serie sind sie als fliederfarbene Schablonenzeichen auf goldenen Grund gesprüht, vor dem ein Blumenstrauß explodiert. Man findet sie erst beim zweiten Hinsehen, ganz wie Dürers Fenster im Auge seines Hasen.

Fünfhundert Jahre nach dem Feldhasen ist das Motiv nicht erschöpft. Es hat nur die Gestalt gewechselt: vom genau beobachteten Tier zum Zeichen, vom Zeichen zur Figur. Wer die Hasen im Werk von Juliane Golbs selbst suchen möchte, findet sie im Werkverzeichnis. Für Fragen zu einzelnen Werken erreichen Sie die Künstlerin über das Kontaktformular.