Rosa in der Kunst: von Madame de Pompadour bis zur Malerei der Gegenwart

Rosa in der Kunst gilt oft als Farbe des Lieblichen. Ihre Geschichte ist erstaunlich wechselhaft. Am Hof Ludwigs XV. war Rosa die Farbe einer mächtigen Frau, in der Porzellanmanufaktur Sèvres ein technisches Kunststück, im Paris der 1930er-Jahre eine Provokation. Wer heute vor einem großen pinken Bild steht, sieht auf eine Farbe, die immer wieder neu gedeutet wurde.

Boucher malt Madame de Pompadour

Im Jahr 1759 malte François Boucher sein letztes Bildnis der Marquise de Pompadour. Das Gemälde in der Wallace Collection in London misst 91 × 68 Zentimeter und zeigt die Mätresse Ludwigs XV. in einem prachtvollen rosa Kleid. Die Museumsbeschreibung erklärt, wie Boucher die Seide malte: Über eine graue Untermalung legte er eine dünne rosa Lasur, was dem Taft einen silbrigen Schimmer gibt. Die Pompadour stehe dort „wie eine lebende Rose“.

Bemerkenswert ist der Hintergrund. Die Porträtierte steht vor dem dunkelgrünen Gitterwerk eines Lustwäldchens, das an ihren Park in Bellevue erinnert. Rosen und Orangenblüten verweisen auf die Liebe. Rosa und Grün, Blüte und Laub, bilden in diesem Bild ein Paar, das in der Kunst bis heute wiederkehrt. Boucher hatte sein erstes Porträt der Pompadour bis März 1750 vollendet. Ihre Aufträge machten ihn nach Angaben der Wallace Collection zum führenden dekorativen Maler seiner Zeit.

Sèvres: Rosa und Apfelgrün auf Porzellan

Fast zur selben Zeit entstand in der Porzellanmanufaktur von Sèvres ein neuer Farbfond. Das Victoria and Albert Museum bewahrt eine Untertasse von 1757/58, auf der Rosa und ein helles Apfelgrün, „vert pomme“, von vergoldeten Ranken getrennt werden. Diese Verbindung beider Farben wurde laut Museum nur für kurze Zeit um 1758 verwendet. Der Schutz durch den König und Madame de Pompadour, so das V&A, erlaubte der Manufaktur, die besten Künstler zu gewinnen.

Der Royal Collection Trust datiert die Einführung des rosa Fonds in die späten 1750er-Jahre. Schon damals nannte man die Farbe in England „rose Pompadour“, später auch „rose Du Barry“ nach einer weiteren Mätresse des Königs. Das Walters Art Museum in Baltimore merkt allerdings an, dass es keinen Beleg gibt, dass eine der beiden Frauen mit der Erfindung der Farbe zu tun hatte. Der berühmte Name ist also eher eine Huldigung als eine Herkunftsangabe.

Fragonard und die Schaukel

Ein knappes Jahrzehnt später malte Jean-Honoré Fragonard das wohl bekannteste rosa Kleid des Rokoko. Les Hazards heureux de l’escarpolette, im Deutschen meist Die Schaukel genannt, entstand um 1767/68 und hängt ebenfalls in der Wallace Collection. Das Bild misst 81 × 64,2 Zentimeter. Die Museumsbeschreibung spricht von einem „hübschen rosa Seidenkleid“: Die junge Frau schwebt auf der Schaukel zwischen ihrem älteren Ehemann und ihrem jungen Liebhaber, ein Pantoffel fliegt dabei davon.

Das Rosa der Seide ist der hellste Punkt des Bildes, um ihn ordnet sich die ganze Szene. Für die Kunstgeschichte des Rokoko ist Rosa daher keine Nebenfarbe. Es ist die Farbe, in der sich der Geschmack einer ganzen Epoche bündelt.

Rosa für Jungen, Blau für Mädchen

Dass Rosa heute als Mädchenfarbe gilt, ist eine junge Zuschreibung. Das Smithsonian Magazine zitiert ein amerikanisches Fachblatt für Kinderbekleidung vom Juni 1918: Die allgemein akzeptierte Regel sei Rosa für den Jungen und Blau für das Mädchen. Rosa galt dort als die entschiedenere Farbe. Noch 1927 druckte das Magazin Time eine Übersicht führender amerikanischer Kaufhäuser, von denen mehrere Rosa für Jungen empfahlen.

Pastelltöne für Babys kamen laut demselben Beitrag erst um die Mitte des 19. Jahrhunderts in Mode. Die Modehistorikerin Jo B. Paoletti hat die Entwicklung im Buch Pink and Blue: Telling the Boys from the Girls in America nachgezeichnet. Ganz einheitlich war das Bild nie: Der Psychologe Marco Del Giudice fand in amerikanischen Zeitungen und Zeitschriften der Jahre 1881 bis 1930 sowohl die heutige als auch die umgekehrte Zuordnung. Für die Kunst ist diese Unschärfe ein Gewinn. Rosa trägt keine feste Bedeutung, es bekommt sie erst im jeweiligen Zusammenhang.

Shocking Pink: Schiaparelli in Paris

In den 1930er-Jahren erhielt das Rosa eine neue Temperatur. Die Modeschöpferin Elsa Schiaparelli, 1890 in Rom geboren und 1973 in Paris gestorben, lancierte nach Angaben des Metropolitan Museum of Art zusammen mit ihrem Parfum Shocking ein leuchtendes Pink gleichen Namens. Den Flakon entwarf die Malerin Leonor Fini. Das Musée des Arts Décoratifs in Paris datiert ihn auf 1937 und nennt Fernand Guéry-Colas als Mitgestalter.

Die Farbe stammte aus der Malerei. Laut Met war sie von der Palette eines Gemäldes von Pavel Tchelitchew inspiriert. Schiaparelli arbeitete mit Künstlern wie Leonor Fini und Salvador Dalí zusammen. Dalí entwarf für ihre Räume an der Place Vendôme eine Version seines Mae-West-Lippensofas in Shocking Pink. Das Pink war hier kein zarter Ton mehr. Es war ein Signal, das Mode und bildende Kunst gemeinsam setzten.

Matisse: der rosa Akt in 22 Fotografien

Fast zur selben Zeit arbeitete Henri Matisse an einem Bild, das in Ausstellungen als Pink Nude oder Nu rose gezeigt wurde. Das Baltimore Museum of Art führt es als Large Reclining Nude, datiert 1934, signiert 1935, Öl auf Leinwand, 66,4 × 93,3 Zentimeter. Über sechs Monate veränderte Matisse die Komposition immer wieder. Zweiundzwanzig Fotografien dokumentieren die Zwischenstände. Er schickte sie 1935 an seine Sammlerin Etta Cone, die das fertige Bild 1936 erwarb.

Die Fotoserie macht sichtbar, wie lange um die große rosa Fläche des Körpers gerungen wurde. Das Rosa ist hier keine Hautfarbe im naturalistischen Sinn, sondern ein Bildelement, das seinen Platz in der Komposition erst finden muss. Heute gehört das Gemälde zur Cone Collection, die Claribel und Etta Cone in Baltimore zusammengetragen haben.

Rosa in der Kunst von Juliane Golbs

Im Werk der Hamburger Malerin Juliane Golbs gehört Rosa zu den tragenden Farben. Im Werkverzeichnis tragen zahlreiche Arbeiten die Farbfamilien Rosa oder Pink, die Spanne reicht vom gedämpften Rosé bis zum gesättigten Magenta. Das Großformat 515 | 2024 aus der Serie Fifth Season ist ganz auf diese Farbe gebaut: Ein Grund aus Magenta, Himbeerrot und hellem Rosé läuft in feinen Bahnen nach unten. Darüber breiten sich Zweige mit kleinen weißen und altrosa Blüten aus, dazwischen glänzen goldene Monogramme in Goldlack.

In 09 | 2026 aus der Serie Fifth Season #heaven can wait verläuft das Magenta von oben nach unten über Rosé bis in ein fast weißes Licht. Eine Ranke aus türkisen und grünen Blüten senkt sich diagonal über die Leinwand, feine Linien in Buntstift deuten Stängel und Blattränder an. Das kleine Format 07 | 2026 mit 30 × 40 Zentimetern zeigt dieselbe Farbe in äußerster Verdichtung: kräftiges Pink bis an die Ränder, darauf weiße Blüten und dunkelgrüne, schmale Blätter in Acryl und Kreide.

Daneben gibt es die zarte Seite. 03 | 2026 schichtet Rosé, Pfirsich und Zitronengelb zu einer hellen Fläche, durchzogen von Stiftlinien. In Sunlight öffnen sich große Blüten in Pflaume und Magenta zwischen smaragdgrünen Farnen. Dieses Werk ist nicht mehr verfügbar, gehört aber zu den deutlichsten Beispielen der Serie.

Pink, Gold und Grün: ein alter Zusammenklang

Auffällig ist, wie selten das Pink bei Juliane Golbs allein steht. Fast immer tritt Grün hinzu, als Moosgrün, Tannengrün, Mint oder Türkis. Oft kommt Gold dazu. Damit greift ihre Malerei, ohne zu zitieren, einen Zusammenklang auf, der schon bei Boucher und in Sèvres zu sehen ist: Rosa vor grünem Laub, Rosa neben Apfelgrün, gefasst von Gold.

Ein frühes Beispiel ist 23 | 2019 aus der Serie Everlasting Blossoms. Auf naturbelassenem, graubraunem Leinen schweben Pfingstrosen in Pink, Magenta und Altrosa, dazwischen Lindgrün und Mint, im Hintergrund Flächen aus Goldlack. Das rohe Leinen nimmt dem Pink jede Süße. Ein Teil des Erlöses aus der Serie geht an die NCL-Stiftung.

Das Gold verändert sich mit dem Licht. Goldlack und Blattgold reagieren auf den Einfallswinkel, bei seitlichem Licht leuchten die Akzente in 515 | 2024 auf, während die matte Farbe des Grundes ruhig bleibt. Mehr zum Material erzählt der Beitrag über Blattgold in der Malerei.

Ein rosa Bild auswählen

Für die Wahl eines rosa Bildes zählt zuerst die Nuance. Ein gesättigtes Magenta wie in 515 | 2024 oder 07 | 2026 setzt einen Mittelpunkt und verträgt eine helle, ruhige Wand. Ein Rosé wie in 03 | 2026 öffnet den Raum eher, als dass es ihn bestimmt. Holz, Leinen und Stein bilden für beide einen guten Rahmen, wie schon das Leinen in 23 | 2019 zeigt.

Im Kunstberater führt die Farbwelt „Warm“ mit Gold, Rosé und Apricot direkt zu diesen Werken. Im Werkverzeichnis lassen sich die Arbeiten zusätzlich nach Farben filtern. Wie sich Rosa in die lange Geschichte der Blumenmalerei einfügt, zeigt der Beitrag über abstrakte Blumenbilder. Wer ein Werk vor Ort sehen möchte, erreicht das Atelier über das Kontaktformular.